Una película es el resultado de un proceso en el cual intervienen varios tipos y categorías de colaboradores. Inicia con el estudio del proyecto desde la idea hasta el guión, o, en su defecto, del tratamiento más amplio y desarrollado posible. Continúa con la valoración del mismo, donde se clasifican los escenarios, personajes, personal técnico y otros rubros que deben mediar, y la financiación, que puede provenir de diversas fuentes.
Todos los procesos de producción requieren personal, dinero, maquinaria y materiales. Dichos medios de producción han de ser utilizados de modo que se logren las metas pretendidas. Esto significa que el personal jerárquico de Producción deberá combinar por anticipado los recursos que mejor se adapten al propósito buscado y ordenar la forma y la secuencia en la que deberán ser utilizados. El personal de Producción de campo se responsabilizará por la aplicación y ejecución de ese Diseño de Producción.
El tiempo es un elemento de la mayor importancia en la economía de la producción; cualquier pérdida de tiempo aumenta el costo. Es esencial tener presente que el tiempo es un recurso no renovable.
Un plan de acción es imprescindible en toda Dirección de Producción. La prevención es primordial. Premeditar lo que pueda sobrevenir tanto permite manejar a pie firme el proyecto como da seguridad para afrontar eventualidades de variada magnitud y orígenes ¡qué va a haber, sin falta!
Entonces, es indispensable contar con una técnica para juzgar las necesidades futuras, a saber: qué deberá hacerse, quién lo hará, en dónde, cuándo, cómo y a qué costo. Bajo ningún concepto podrá dejarse el resultado al azar. Por supuesto que es imposible vaticinar todo, pero un buen plan por lo menos toma en cuenta todos los hechos predecibles y probables. O sea que el 90% del logro de una producción audiovisual está en la etapa de la Pre-producción. Es el período para sentarse a pensar, para analizar, estudiar, medir los riesgos, calcular, definir las piezas y los costos. En resumidas cuentas, es cuando se arma el rompecabezas con lógica y sentido común.
En una actividad donde la imaginación vuela y los sueños de gloria están a la orden del día pudiera parecer que la tarea de Producción es de una aridez intolerable. No es así. Sí es que el nivel de creatividad y de aptitud para individualizar cada uno de los componentes de este mecanismo, acomodarlos en su correcto lugar y hacer que funcionen fluidamente es considerablemente exigente; ni que hablar en medios audiovisuales que se desarrollan en países no centrales.
La industria audiovisual debe ser considerada en el sector de las intermitentes. Ni aún en televisión o en los grandes estudios cinematográficos el sistema de producción se equipara a la continuidad fabril. Por consiguiente el programa correspondiente a una producción intermitente tiene que ser bastante elástico. Es habitualmente difícil augurar cuánta demanda va a tener el producto que estamos gestando. Dependerá de variados factores que sea bien recibido y que el nivel de atracción que genere sea amplio y estable. Estamos hablando del voluble éxito. También se puede y se debe disminuir ese riesgo, echando mano a diversas herramientas o maniobras que, a su vez, deben proyectarse con la mayor sensatez, incluso podría decirse que con sangre fría. Esto vale tanto para el producto menos profundo como para el cine de autor, porque estamos hablando de un sistema industrial. Es una industria cultural, pero como industria promueve fuentes de trabajo, compra, alquila e inventa enseres y tecnología, distribuye y mercadea el producto terminado, etc. Este panorama indica que debe estar preparada para enfrentarse a cambios y a efectuar ajustes dada su característica no repetitiva. La irregularidad de la demanda no facilita los métodos de producción continuos.
Es importante la disponibilidad de recursos. Al iniciarse el proceso la Planificación deberá examinar todos los requerimientos de producción para diseñar su Programa, incluyendo los cálculos de tiempo necesario para las sucesivas etapas de acción. Para que la productividad sea satisfactoria las personas encargadas de las diversas fases de la producción deberán contar con materiales y equipo suficientes. La interdependencia es tal que sólo entendiéndose el trabajo de esta manera es posible llevarlo a buen término. Una responsabilidad de Producción es conseguir un encadenamiento que haga que cada participante funcione de acuerdo a un plan común, dentro de un horario de actividades coordinado, y que las acciones de cada uno se enhebren sólida y coherentemente las unas con las otras.
Las personas que se van incorporando a la tarea de concretar un producto audiovisual tienen que estar calificadas para los distintos rubros. El equipo se conforma así con engranajes que no funcionan los unos sin los otros, porque se limita el aprovechamiento de cada área si no está bien relacionado con la marcha de las demás. El trabajo de estos peritos, el funcionamiento de la tecnología, la provisión de los materiales, forman los aspectos visibles de la producción. La tarea de dirigir estas actividades es, substancialmente, tomar decisiones económicas. Una pre-producción organizada, elaborada, permitirá a los responsables reajustar elásticamente las disposiciones al enfrentarse con obstáculos imprevistos.
Es responsabilidad de una producción efectiva la incorporación de los siguientes requisitos: obligaciones claramente definidas; condiciones adecuadas en el lugar donde se llevan a cabo las operaciones con el fin de que estas puedan concretarse tal como fueron programadas; retribuciones salariales correctas abonadas en tiempo y forma; condiciones de trabajo adecuadas para el personal de todas las áreas (¡incluyendo al equipo de Producción!). Una obra audiovisual es el resultado de una construcción colectiva o no es nada, independientemente de que la organización laboral debe estructurarse según los niveles de responsabilidad correspondientes.
El diseño de la organización de la producción deberá tratar de equiparar las necesidades con los recursos. Lo que decíamos con respecto al personal es extensivo a la relación que guardan entre sí todos los problemas de producción, cuya envergadura hace que cada solución influya indefectiblemente en la mayoría de los demás. Toda producción depende de los planes, razonablemente correctos, de lo que puede esperarse del rendimiento de los recursos humanos, económicos, técnicos y materiales involucrados. La estimación se basará en la experiencia, en una apreciación de esfuerzos y resultados observados con anterioridad, y en la intervención necesaria e indiscutible de otros especialistas, de modo que el trabajo conjunto y escalonado trazará la Planificación y la Programación necesarias a las que todos responderán organizadamente. De esta manera un Estimado de Costos tendrá mejores perspectivas de transformarse en el Presupuesto Definitivo cuanto antes el Asistente de Dirección ingrese a la pre-producción y desarrolle el examen de su área. Permitirá al Productor Ejecutivo, entre otras cosas, ajustar los tiempos de realización pretendidos, cosa que a su vez despejará costos a tomar en cuenta. Lo ideal sería que se pudiera ampliar este sistema a cada una de las unidades modulares. Sabiendo que en esta parte del mundo no podemos manejarnos con esa soltura económica y ratificando que el trabajo debe ser justo y dignamente retribuido, lo menos que podemos hacer es solicitarles opinión y consejo a las cabezas de equipo que seguramente serán contratadas si el proyecto se concreta.
Al personal de Producción se le debe exigir una mirada clara y abarcadora sobre el conjunto. No que sea erudito respecto a cada jurisdicción, pero sí que de su percepción no escapen detalles que incidan sobre el total. Tampoco podrá dejarse presionar por nadie ni por nada hasta comprobar motivos sólidos que le indiquen que llegó el momento de hacer algún malabarismo contable. Para participar en los medios audiovisuales en la especialidad de Producción puede decirse que es primordial poseer temple, ser equilibrado, y tener agilidad mental y aptitud para tomar decisiones. Hay que cultivar una estructura de pensamiento organizado.
Un par de temas irrenunciables: Ninguna cúspide de talento creador es más alta que la salud y la seguridad de las personas comprendidas en la labor. Los períodos de descanso, los servicios de comida, de transporte y de alojamiento adecuados no son una graciosa concesión de un empleador sino derechos adquiridos por los trabajadores. Con igual criterio deben distribuirse las tareas entre tanto personal como sea necesario para el garantizado cumplimiento de las mismas. Es inimaginable suponer que el amplio detalle de trabajadores que figuran en los créditos de películas provenientes de cinematografías altamente industrializadas se deba al espíritu filantrópico de sus contratantes. Este panorama debería comprenderlo y aplicarlo hasta el más estrecho de los financistas locales si se diera cuenta de que, en lo que a su conveniencia se refiere, su inversión mejoraría considerablemente en términos de rendimiento, eficiencia, menores posibilidades de material dañado, de errores en el trajín y a la efectiva contención de accidentes de trabajo. Finalmente y para su beneficio, la calidad final del producto elaborado tendería a mejores posibilidades de usufructo.
Teniendo en claro conceptos básicos se concluye naturalmente que no es serio sostener que hay películas de bajo presupuesto porque sí. El costo de producción de cada proyecto dependerá de sus contenidos y del criterio con que se llevará a cabo. Si no se cuenta con los medios necesarios para emprenderlo, no habrá que hacerlo. Las determinaciones voluntariosas, poéticas, pueden ser enternecedoras pero usualmente están más cercanas al realismo mágico que a un comportamiento profesional. El realismo mágico, señoras y señores, es un género literario. La producción cinematográfica no.
CORINA LEIBINSTEIN
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La clase comienza 9.15hs. Vemos en el aula una cámara Beta monitoreada, dos fresneles y dos mini-pan. Federico Scarpelli, asistente académico, es el encargado de tomar lista. Alejandro Fernández y Federico leen y responden, uno a la vez, las preguntas formuladas por los alumnos en el T.P. 1. En su mayoría, las preguntas apuntan principalmente a la realización de los trabajos prácticos y a los métodos de evaluación de la cátedra. Alejandro explica que el parcial será evaluado con la modalidad multiple choice, contará con 15 preguntas y cada una de ellas tendrá, a su vez, 4 opciones. Las opciones correctas pueden ser 1, 2, 3, todas o ninguna. Para la aprobación de dicho parcial se deberá contestar el 70% de las opciones, es decir, 42 sobre 60.
Siendo las 11.15hs, y una vez finalizado el repaso de los T.P. 1 con su consiguiente evacuación de dudas, Alejandro pide 3 voluntarios para armar una puesta de luces. Los alumnos que se prestan a participar del ejercicio son Gastón, Patricio y Leandro. Alejandro les explica aquello que necesita, teniendo en cuenta el eje de la cámara y dónde estarán posicionados los personajes. Los alumnos tienen los 15 minutos que durará el recreo para armar una puesta de luces básica, utilizando los anteriormente mencionados fresneles y mini-pan.
A las 11.30hs, el alumnado retorna a la clase. La puesta de luces ya está armada, y Alejandro pide 3 voluntarios más: 1 para desempeñar la tarea de camarógrafo y 2 para ser sus asistentes. Martín es quien cumplirá el rol de cámara y los alumnos Giselle y Tomás serán los asistentes. Alejandro tiene en sus manos un compás y un transportador, ambos grandes, del tipo que se usan para pizarras. Le entrega el compás a Giselle y le pide que marque en él un ángulo de 30 grados. Una vez que el compás está en 30 grados, gracias a la ayuda del transportador, Giselle debe acercarse a un compañero imaginando que el compás marca el ángulo de captación de la cámara. Alejandro le pide que se posicione de acuerdo a un hipotético primerísimo primer plano y posteriormente que se aleje para marcar lo que sería un plano general largo. El ejercicio se repite, esta vez con el compás en 5 grados, marcando un P.P.P. Luego se pone el compás a 60 grados y la puesta de cámara a imitar es la de un P.P.P. y un P.G. largo. El ejercicio resulta muy productivo y todos vemos cómo la compañera va hacia adelante y hacia atrás con la supuesta cámara que no es otra cosa que un compás. Es allí que empezamos a entender, y Alejandro también lo dice explícitamente, que deberemos empezar a olvidarnos del zoom y pensar los planos en relación al lente que se usará y a lo que se quiera relatar; y recién allí hacer la puesta de cámara.
Alejandro le reparte a los asistentes de cámara la tabla de equivalencias entre formatos. El camarógrafo debe poner el lente de la cámara Beta en 20 milímetros, mientras que otro de los voluntarios adapta la televisión para obtener lo que sería una relación de aspecto 16:9. Para que sea más sencillo entender la diferencia, se reparte una hoja con dos imágenes y cómo se ven en distintas relaciones de aspecto.
Los alumnos Leandro, Gabriel y Nicolás, junto al profesor Alejandro y el asistente Federico se sientan frente a cámara, en forma escalonada y sin taparse unos a otros. El camarógrafo pone a los 5 en plano y gracias a la tabla de equivalencias se prueba el mismo plano utilizando lo que serían lentes de 24, 50 y 100 mm en formato de cine de 35mm. Todos apreciamos cómo cambia el espacio con los distintos tipos de lentes. El de 24mm es un gran angular, estira el espacio y despega a los personajes. El de 100mm es un tele-objetivo, comprime el espacio y los personajes aparentan estar mucho más cerca entre sí de lo que realmente están. Alejandro es muy claro cuando nos dice que un plano sólo puede estar bien diseñado cuando se tiene en cuenta la distancia focal. Una vez terminado este ejercicio, se pasa a analizar el esquema de luces.
Luz principal: Es la que determina el clima y por lo general es la de mayor intensidad. Debe estar a 45 grados con respecto al eje de la cámara y a 45 grados en altura.
Relleno: Suaviza las sombras que genera la luz principal. Debe estar lo más cerca posible al eje de cámara tanto en distancia como en altura, obviamente sin aparecer en cuadro.
Contraluz: Despega al personaje del fondo. Debe posicionarse a 180 grados con respecto al eje de cámara y a 45 grados de altura.
Luz de “fondo” o “fondos”: Es la que ilumina el entorno. Se utiliza el singular o el plural para denominar a esta luz ya que en un plano puede haber uno o más de un fondo, y todos ellos deben ser iluminados.
Alejandro explica que al filmar en interior, las paredes deben ser preferentemente de color gris claro para que den blanco. Depende el tipo de película puede haber distinta cantidad de puntos de diafragma con respecto a la escala de grises, puede haber 51/2, 7, 71/2 u 8. Tomando como referencia negativo color con 7 puntos de diafragma, el gris medio al 18% se encuentra en zona 5. La piel humana caucásica refleja más luz y se encuentra al 32%, es decir en la zona 6.
Siendo las 12.45hs, la clase llega a su fin. Los profesores entregan el T.P. 1 corregido y los alumnos entregamos el T.P. 2. Alejandro aclara que el T.P. 3 no se entregará en la siguiente clase de acuerdo a lo que dice la planificación puesto que los alumnos no contamos con los conocimientos aún, y en su lugar recomienda estudiar mucho y preparar el diseño del próximo trabajo.
Autores: Gastón Deville, Ezequiel Zapaterio.-
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Comenzó la clase la Profesora Corina Leibinstein relatando "Un creyente" - George Loring Frost - Inglaterra - Siglo XVII. Al finalizar comentó que para transformarlo en una obra audiovisual habría que adaptarlo y hacerle un guión, donde se tendría que caracterizar a los personajes y establecer el espacio y momento. También sería necesario elegir el actor adecuado teniendo en cuenta el costo-beneficio. Este concepto se basa en que, en el momento de contratar alguna persona o un servicio, hay que analizar el costo que nos saldrá y el beneficio que nos traerá y de esa manera lograr un equilibrio proporcionado a partir de la decisión tomada.
Locaciones/Decorados
Locación: Lugar preexistente, tiene una dirección precisa, coordenadas. Toda locación contiene un decorado. Es el sitio adonde se va a trabajar en la etapa de rodaje.
Decorado: Espacio en el que transcurre la acción dramática, es sinónimo de escenario.
Personaje/ Actor
Personaje: Es una representación, una creación, por lo tanto uno hace lo que quiere con el, se materializa con la actuación de un actor.
Actor: Es la persona real, la que actúa un papel determinado. No le ocurre realmente lo que le pasa al personaje, simplemente lo interpreta. Diferentes actores van a componer a un mismo personaje de una manera diferente.
Guión Literario/Guión Técnico
Ambos están divididos por escenas.
Guión Literario: Allí figura el decorado, anuncia lo que se escuchará y verá en la escena, los diálogos, las acciones.
Guión Técnico: Define con determinaciones técnicas cómo se va a contar, decididas por el Director (los movimientos de cámara, las ópticas que se utilizarán, etc.)
Etapas operacionales de Producción
Pre-producción
Rodaje
Post-producción
Producción de la Película
A partir del Guión Literario se podrá empezar a tener un panorama de los insumos que se necesitarán para filmar la película y empezar a calcular los costos. Dependiendo de quien dirija, de la complejidad del proyecto, por ejemplo, se determinará la relación de registro de planos, siendo el mínimo aceptable de 3:1. Desde el Guión Literario, que si está bien escrito resulta en un cómputo convencional de un minuto por página, es que podremos prevenir la cantidad de material virgen necesario. En este ejemplo estaríamos multiplicando la cantidad de hojas por tres.
Según el tiempo de duración de la película, se considera:
Cortometraje: hasta 20´
Mediometraje: entre 20´ a 60´
Largometraje: 60´ en adelante
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La calidad de ambos pasos es la misma. Puede ser que si se opta por filmar en 16mm se necesiten más luces. Es un ejemplo de que hay variables que contrapesar, porque ese ahorro en el costo de negativo no es neto, sino que hay que contemplar posible parque de luces, mayor los vehículos para transportarlas, cantidad de técnicos para manejarlas, etc., recordando siempre que va a haber que ampliar a 35 mm que es como se exhibe en los cines.
También está la opción de filmar en H.D (High Definition – Alta Definición). Un cartucho de estos tiene 50 minutos, y su costo es de U$S 90. Pero por otro lado, a la hora de la post-producción se necesita un proceso denominado “Tape to film” para poder obtener un negativo que permita el tiraje de copias para los cines, que sale alrededor de U$S 35.000.
CONCLUSION: Uno tiene que saber que elegir, encontrar un debido equilibrio para poder seguir el proyecto sin problemas.
1) Humanos: las personas necesarias para llevar adelante el proyecto.
Elenco (Los humanos que están delante de la cámara)
Personal Técnico.
Personal administrativo, legal y contable.
Personal de limpieza.
Especialistas contratados según las necesidades de cada proyecto (Entrenadores, investigadores, asesores, seguridad, etc.)
2) Técnicos: Equipamiento de iluminación, cámara y sonido, islas de edición, maquinaria.
3) Materiales: Oficinas, sillas, mesas, combustible
4) Económicos: Incluye la evaluación de costos, el planteo de uso de los fondos necesarios y planes para saber como recuperar la plata invertida y la obtención de beneficios.
5)Financieros: Refiere a las fuentes dinerarias, de donde sale el capital que soporte el proyecto.
6)Tiempo: Recurso no renovable, el tiempo es dinero.
A continuación, vimos varias publicidades y el making off de las mismas (Reel y Making Off - Productora: Bendercine - Director: Lucho Bender).
Fue una forma de que podamos empezar a entender a lo que la materia quiere apuntar, no con las mismas producciones pero si con un duro trabajo, esfuerzo de todos y una responsabilidad adecuada.
En dicho Making off pudimos observar cinco de los departamentos necesarios: Producción, Dirección, Fotografía y Arte, sin poder ver Edición.
Conclusión de esta clase: Uno siempre tiene que mantener el equilibrio sobre todas las decisiones que se tomarán, tener los recursos necesarios según el abordaje deseado del proyecto, organizar los tiempos ya que ellos cuestan dinero y empeñar todo el esfuerzo de cada uno, ya que con voluntad, responsabilidad, dedicación y compromiso el proyecto puede llevarse con mas facilidad hacia delante.
Bibliografía Obligatoria: Modulo Bibliográfico: “Conceptos básicos de Producción”,
GISELLE AMADORI – AGUSTINA ZUMPANO
PARA DESCARGAR:
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INTRODUCCIÓN A LA PUBLICIDAD FÍLMICA
Por muy sencillo que parezca, para un anuncio de los muchos que se emiten a diario por televisión generalmente se han seguido una serie de fases cuya simplicidad es sólo aparente y que precisan el trabajo de especialistas muy diversos.
En la actualidad no hay persona que no sea experta en publicidad televisiva. Todos saben lo que les gusta o disgusta acerca de un comercial determinado. Este hecho, aunado al desorden y al salto continuo de un comercial a otro dentro de la televisión, hace que la creación de un anuncio televisivo exitoso sea un verdadero reto.
Cada medio de publicidad es diferente y los redactores tienen la facultad de escribir mensajes que saquen provecho de las fortalezas de cada medio. La televisión es diferente a la radio y a los impresos en muchos sentidos. La televisión es un medio visual y el mensaje está dominado por el impacto de los efectos visuales. Debe observarse que los diarios y las revistas también utilizan efectos visuales, de modo que ¿cuál es la diferencia de impacto entre la televisión y los medios impresos? Es la imagen en movimiento lo que hace que la televisión sea más atractiva. Se observa un mundo que camina, que habla, que incluso da la impresión de ser tridimensional. La publicidad adecuada en televisión utiliza el impacto de la acción, el movimiento y el sonido para captar la atención y mantener el interés. Todos estos elementos, al igual que la capacidad de generar reacciones emotivas, hacen de la televisión el medio publicitario más poderoso.
Los anuncios de televisión efectivos también cuentan pequeñas historias, que pueden ser graciosas, cálidas, ridículas o pueden ablandar el corazón, igual que en la vida real. La publicidad que muestra fragmentos de la vida es una simple demostración de un formato de melodrama. Las emociones se expresan mejor en forma narrativa. Esta habilidad de tocar los sentimientos de los espectadores hace que los comerciales de televisión sean entretenidos, divertidos y absorbentes. La identificación o el reconocimiento de situaciones de la vida real surgen de sus resúmenes en la pantalla. En particular funciona bien el humor.
El trabajo creativo está enlazado a una planificación cuidadosa del mensaje publicitario, debido a los elevados costos de producción y transmisión, además de la influencia del factor tiempo – 30”-15" - para promover determinado producto, siendo éste muy corto para lograr capturar y retener la atención del televidente. La publicidad es esencialmente una actividad que se realiza con fines de lucro, en donde se da información acerca de las bondades de un servicio o producto, existiendo al efecto una serie de técnicas de las que disponen los autores de films publicitarios.
Pautas para realizar un comercial
¿Cómo influyen las diferentes características que contiene un determinado comercial para llamar la atención del espectador en términos publicitarios del consumidor? ¿Cuáles son los pasos a seguir para la creación de un comercial que influya en el consumidor?
Cualidades necesarias de los comerciales de televisión:
Tipos de comerciales de la televisión y características:
De la creación de un comercial fílmico:
Para la redacción de un comercial de televisión primero se deben usar palabras sencillas, fáciles de pronunciar y de recordar. Y debe ser breve. El comercial de 30 segundos sólo tiene 28 segundos de audio. En este tiempo tan corto se debe resolver el problema de sus consideraciones principales para demostrar la superioridad del producto. La mostración del logotipo o el nombre de la compañía en más de una ocasión puede resultar necesario para reforzar el reconocimiento de lo que se vende.
Una vez que el equipo creativo ha desarrollado un script, el siguiente paso consiste en crear un storyboard, que es un conjunto de recuadros representativos de lo que después serán las imágenes del spot, acompañadas de los textos que se vocalizarán simultáneamente a la proyección de cada una. Describe la composición de los planos así como la sucesión de la acción. Acompaña una versión del audio, que si no es completo por lo menos debe ser suficiente para ubicar el diálogo en relación con el finish pretendido. El storyboard es una herramienta muy importante para mostrar el concepto básico del comercial al cliente y a otros miembros de la agencia.
Para hacer todavía más realista el storyboard, los cuadros pueden tomarse con transparencias para la presentación al cliente. Si los cuadros están grabados en video junto con una pista de sonido, al storyboard se le llama animatic. Los animatics de utilizan con frecuencia para presentaciones al cliente y para sesiones de investigación de mercado. Actualmente y gracias a las opciones que ofrece la animación computada, en oportunidades se ofrecen presentaciones en movimiento más elaboradas que son denominadas shot-story o shot-storyboard.
Jingles: Es la música que llevan los comerciales musicales, los cuales, bien realizados, logran resultados admirables. El mensaje puede cantarse en su totalidad.
Audio: La música, las voces y los efectos de sonido se utilizan de diferente forma en los comerciales porque están relacionadas con una imagen, sea porque se enuncia desde esta o se explica con voz en off, pudiendo los diálogos estar a cargo de sujetos u objetos animados. Una de las fortalezas de la publicidad fílmica es su capacidad de reforzar los mensajes verbales con las imágenes y viceversa.
Señales: En la mayoría de los comerciales la señal más importante es el producto. El anuncio debe reflejar las propiedades esenciales del producto. ¿Cómo viene presentado? ¿Tiene un logotipo distintivo? ¿Cómo debe mostrarse? ¿Se puede mostrar en funcionamiento?
Gráficos: Existen diversos tipos de imágenes que se filman de una lámina preparada (palabras, imágenes, fotografías) o se generan de manera electrónica en la pantalla por computación. Las palabras también pueden crearse con un generador de caracteres o por computación.
La publicidad fílmica es el medio publicitario más flexible, creativo y efectivo, puesto que se vale de ciertas técnicas para incentivar al publico a consumir los productos promocionados en ellos.
CORINA LEIBINSTEIN
Adaptación de un artículo español publicado en Internet, sin firma.
PARA DESCARGAR:
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Síntesis de la segunda clase de la materia Cine I dictada por los profesores Alejandro Fernández , Corina Leibinstein y el asistente académico Federico Scarpelli en el día Martes 25/03/08.
La clase comenzó después de haber asistido al acto de apertura de la cursada en el auditorio. A él asistieron los directivos de la institución, profesores y alumnos del establecimiento.
Se presentó nuestro profesor, Alejandro Fernández, y junto a él se encontraba otro hombre que hasta ese momento no conocíamos. Fue presentado como asistente académico de la cursada. Su nombre es Federico Scarpelli, egresado de la carrera en otra universidad en la cual el profesor dicta clases. Federico nos contó sus experiencias académicas y que su tarea consistirá en ayudarnos en los trabajos prácticos y en las dudas que presentemos.
El profesor nos cuenta que la publicidad que habíamos visto en el auditorio es el “piso” que él espera para nuestros spots publicitarios que presentaremos hacia el fin de la cursada. Debatimos sobre el spot, llegando a la conclusión que era un buen trabajo, con un buen desempeño de dirección de arte y de producción, pero que en el resultado final no se obtenía lo más importante de la publicidad: convencer al espectador de consumir el producto que se vende.
También comentamos el video clip visto anteriormente. Para el profesor no había crítica alguna y los alumnos coincidimos.
Luego de esto se hizo la corrección de la síntesis de la 1era clase hecha por Yasmín Teme y Macarena Coria, donde vimos los aciertos en los resúmenes y los errores que no debemos cometer al realizarlos.
El profesor nos presentó la planificación de la cursada, donde se encuentran los temas que se abordarán en cada clase, cuales serán los trabajos prácticos que se pedirán, y como deberán ser entregados. Nos informó que para la segunda clase debíamos entregar el TP 1, que consiste en plantear nuestras dudas al leer la planificación que se encontraba en New Print. Nos explicó que los trabajos serán evaluados según su forma de entrega y contenido. Como forma entiende la carátula del trabajo, ya que sirve para comunicarse en un mismo medio y el vocabulario. En la 2da parte de la clase aclaró que para obtener una buena comunicación debíamos tener los celulares apagados en la clase.
Nos habló de cada trabajo práctico, y nos informó que para la clase 4 debíamos entregar las ideas previas para el trabajo integrador final, el cual consiste en realizar un spot publicitario.
Nos informó que el tercer TP será realizado en el Jardín Japonés.
También hablamos del TP 4, que consistirá en calcar una secuencia de Nueve Reinas.
A las 11 Hs comenzó el recreo y retomamos con la clase a las 11:25 Hs.
Vimos las imágenes sin sonidos de la película Bajo Sospecha , de la cual en la 1era clase habíamos oído pero no habíamos visto.
Al terminar, coincidimos que lo que vimos nos provoco vació y aburrimiento, mientras que el sonido nos había entretenido algo más. Luego vimos la película en su formato original audiovisual. Coincidimos en la buena edición de la película, la cual no se notaba viendo sin oír. Se llegó a la conclusión de que la imagen y el sonido componen un todo en una película. El profesor nos dijo que “nos emociona el sonido y nos informa la imagen”, por lo tanto el sonido es el 50% de la película, aunque a veces no se tenga en cuenta ese dato.
Definiciones de contenidos debatidos en clase
La combinación en la película de:
Puesta en escena: compuesta por la ubicación, acción, actores, arte y luces.
Puesta de cámara: compuesta por la lente, ubicación, ángulo.
Técnica: manera de hacer algo. Esta predeterminado. Hay que aprenderla.
Clima: combinación de sensaciones puras.
En medio de las definiciones se incorporó a la clase la profesora Corina Leibinstein.
Los departamentos de dirección de arte y dirección de fotografía son responsables de la estética. En clase debatimos sobre lo que era para cada uno la estética. Se habló de ella como algo personal, cultural y de la moda. Se acordó en que no es subjetiva ni generalizada.
Definición de estética:
Forma (cómo vamos a fascinar y convencer al otro de que la pieza artística debe ser contemplada).
Se habló de la estética como de una ciencia.
Recomendaciones del profesor:
- Del arte poético de Aristóteles (buena traducción)
- Últimos días de la víctima, de Adolfo Aristarain.
A las 12:45 se dio fin a la segunda clase.
Nicolás Litman y Alejandro Arecco
Comenzamos la clase definiendo película como:
Definición de realización: Montaje de imágenes y sonidos:
(Montaje y edición son sinónimos.)
Departamentos de trabajo cinematográfico:
Diálogos y música: Responsable de lo que se escucha pero no del como. (Banda sonora: Hablados, música, FX, sonido ambiente, falzy.)
Unidades Narrativas: Relatan narran y expresan.
Vimos las cosas que se tienen en cuenta en laedición (le imprime el ritmo final a la película):
-Selección.
-Ordenamientos.
-Duración.
- Transiciones.
-Dosificación.
Vimos la definición de Parte/capitulo:
Una obra en si misma que forma parte de la obra mas grande.
En la ultima parte de la clase los docentes nos hicieron escuchar una secuencia de una película, sin que sepamos cual, sin banda de imágenes.
Luego dijimos las cosas que habíamos escuchado en esta secuencia. Y como el sonido que escuchamos lo adaptamos instantáneamente a la experiencia propia.
